Eine britische Stoffkollektion, die direkt aus „Bridgerton“ stammt

Dec 30, 2023

Werbung

Newsletter

Plus: ein Hotel in Portugal, das regionale Kunsthandwerker, Objekte eines Architektenduos und weitere Empfehlungen vom T Magazine hervorhebt.

Bleib hier

Von Lindsey Tramuta

Als der dänische Goldschmied Per Enevoldsen, Mitbegründer der Schmuckmarke Pandora, und sein Freund Steen Bock zum ersten Mal Porto in Portugal besuchten, wussten sie, dass sie irgendwann zurückkehren würden, um dort gemeinsam etwas zu bauen. Die Idee kristallisierte sich heraus, als sie 2016 zurückkamen und im Stadtviertel Largo de São Domingos zwei Gebäude aus dem 16. Jahrhundert entdeckten – sie würden bald verfügbar sein, mussten aber renoviert werden. Jetzt sind sie ein integraler Bestandteil des Largo, dem ersten Gastfreundschaftsprojekt der beiden (Eröffnung diese Woche), das ein Hotel mit 18 Zimmern, verteilt auf fünf historische Gebäude, mit dem ersten Restaurant in Porto, Cozinha das Flores, und der Bar Flôr kombiniert , vom in Lissabon geborenen und in London lebenden Koch Nuno Mendes. Entworfen von Space Copenhagen mit Schwerpunkt auf lokalen Materialien und der Arbeit regionaler Kunsthandwerker – darunter der mit dem Pritzker-Preis ausgezeichnete Architekt Álvaro Siza, der ein gekacheltes Wandgemälde für das Restaurant schuf – interpretiert jeder Raum das Aussehen und die Atmosphäre eines portugiesischen Hauses neu. Mendes, der Gerichte wie süße Garnelen und gedämpften Eierkuchen mit Presunto Balchão (Schinken in würziger Essigsauce) kochen wird, hatte schon lange davon geträumt, ein Projekt im Heimatland seiner Mutter zu verfolgen. „Das war in Kombination mit der Möglichkeit, ein Restaurant zur Straße hin mit darüber liegenden Zimmern zu schaffen, besonders spannend“, sagt er. „Es ist großartig, Leute für eine Nacht zu beherbergen, aber wenn man 24 Stunden mit ihnen zusammen ist, macht es viel mehr Spaß.“ Das Largo öffnet am 25. Mai, thelargo.com.

Trage das

Von Jameson Montgomery

Indien, heute das bevölkerungsreichste Land der Welt, war auf der internationalen Bühne für Luxus-Herrenmode lange Zeit unterrepräsentiert, doch ein Trio von Designern versucht, dies zu ändern. Kartik Kumra studierte Wirtschaftswissenschaften an der University of Pennsylvania, als die Pandemie ausbrach und ihn zwang, in seine Heimatstadt Delhi zurückzukehren. Er war schon seit Jahren von Indiens Textiltraditionen fasziniert und nutzte die Gelegenheit, um seine Marke Karu zu gründen, deren Name das Sanskrit-Wort für Handwerker ist. Kleinproduzenten liefern die gewebten Seiden- und Voilestoffe der Marke, die auf antiken Handwebstühlen hergestellt werden und ihren Camp-Hemden und Patchwork-Hosen eine selbstgesponnene Qualität verleihen. Harsh Agarwal begann während eines Auslandssemesters an seinem Jurastudium, das sich als dauerhaft erwies, mit der Arbeit an seiner Marke Harago. Mit Sitz in Jaipur, Rajasthan, besucht Agarwal das Zuhause jedes Textilhandwerkers, mit dem er zusammenarbeitet, und gibt ihm die Möglichkeit, Beziehungen zu seinen Lieferanten aufzubauen. Manchmal zeigen sie ihm sogar ihre persönlichen Schätze, wie Hochzeitsdecken und bestickte Küchentücher, die als Inspiration für neue Designs für die applizierten Jacken und Spitzen-Overlay-Shorts der Marke dienen könnten. Rikki Kher leitete viele Jahre lang ein Modebeschaffungsunternehmen in Neu-Delhi und begann, seine eigene Kleidung aus indischen Stoffen herzustellen. Schließlich gründete er 2013 sein Unternehmen Kardo. Er reist durch die verschiedenen Zentren der Textilproduktion des Landes und integriert dabei die Spezialitäten verschiedener Regionen – Khadi-Stoffe aus Gujarat, Ikat-Färbung aus Andhra Pradesh – in die Designs der Marke ein, darunter handbemalte Hemden und gestreifte Seidenhosen mit Kordelzug, die alle in Kardos Werkstatt selbst hergestellt werden.

Sieh dir das an

Von Juan A. Ramirez

Der brasilianische Künstler Alexandre da Cunha hat 25 Jahre damit verbracht, seine Zeit zwischen London und São Paulo zu verbringen, und der Einfluss beider Orte ist in „Broken“, einer Einzelausstellung, die derzeit in der Galerie Thomas Dane in der britischen Hauptstadt stattfindet, spürbar. Seine Miniserie „Exile“ zeigt fünf Gouachearbeiten auf Papier, die ein Gefühl der Gefangenschaft in einer kinetischen Außenwelt vermitteln. Aber ebenso wie die Multimedia-Werke, die die Ausstellung abrunden, hält seine Vorliebe für fröhliche lateinamerikanische Farben den düsteren Existentialismus fern. Da Cunha kehrt auch in seine oft besuchte Welt der gefundenen Gegenstände zurück, mit Schlüsseln und Münzen, die in Glasflaschen eingeschlossen und auf kleine Betonblöcke gelegt sind, eine Anspielung auf die in seinem Heimatland so vorherrschenden brutalistischen Gebäude. Bei Thomas Dane stehen diese Werke im Gespräch mit späteren Werken aus São Paulo, zu denen ein provisorisches Fenster aus Schaufelgriffen und Stoffen in leuchtenden Farben gehört. Es wird deutlich, dass die Ausstellung ihren Titel als Statement des Potenzials versteht. „Broken“ ist bis zum 15. Juli auf thomasdanegallery.com zu sehen.

Begehren Sie dies

Von Ellie Pithers

Die Vorhangmacherin Gemma Moulton gründete 2020 das Heimtextilienunternehmen East London Cloth mit einem einfachen Ziel: die bedrängte Textilindustrie zu unterstützen, deren reiche Geschichte in Großbritannien langsam aus dem Blickfeld gerät. Ihr neuestes Stoffangebot mit dem Titel „Spitalfields Collection“ ist nach der Gegend im Osten Londons benannt, die einst das Herzstück der Seidenweberei war, und tut genau das. Eingeladen, die Archive einer jahrhundertealten, familiengeführten Fabrik in Suffolk zu erkunden und daraus zu schöpfen, die für das Weben der Seide für das Krönungsoutfit von Königin Elizabeth II. berühmt ist (und die einst in Spitalfields ansässig war, nur wenige Meter vom aktuellen Atelier von East London Cloth entfernt), Moulton hat drei Designs ausgewählt und sie für den zeitgenössischen Geschmack wiederbelebt. Die daraus resultierenden Stoffe – eine gestreifte Seide mit Blumenmotiv und einem floralen Gittermuster, beide aus dem 17. Jahrhundert, und ein Baumwollstreifen aus der Regency-Ära, alle in Pastellfarben erhältlich – verleihen einem Interieur einen Hauch von vergangenem Glamour . „Mir geht es nicht um vollwertigen Chintz“, sagt Moulton. „Aber mir gefällt die Idee eines wunderschönen Kopfteils oder Bettrocks aus Seide.“ Wenn das zu maximalistisch klingt, könnten Sie sich an einem Kunden von Moulton orientieren, der in Spitalfields lebt, und einfach ein kleines Stück Stoff einrahmen, um es an die Wand zu hängen. Ab etwa 250 $ pro Meter, eastlondoncloth.co.uk.

Kauf das

Von Gisela Williams

Wenn das in Paris und Marrakesch ansässige Architektenduo Karl Fournier und Olivier Marty ein Haus entwirft, erschafft es oft eine vollständig durchdachte Welt voller Objekte, Möbel und Oberflächen, die, wann immer möglich, von Hand gefertigt werden. Als Studio KO entwarfen sie 2017 das berühmte Yves Saint Laurent Museum in Marrakesch mit seiner gemusterten Fassade aus handgefertigten Terrakotta-Ziegeln und 2019 ein Betonbadehaus mit maßgeschneiderten Buntglasfenstern für Flamingo Estate in Los Angeles. „Das kommt oft vor.“ „Die kleinen Dinge, die manche Leute vielleicht nicht bemerken, die letzten Handgriffe am Ende, die am wichtigsten sind“, sagt Fournier. Im Laufe der Jahre hat das Duo Tausende von Objekten gesammelt, die sie in mehreren Lagerräumen aufbewahren und auf das richtige Projekt warten. Anfang dieses Monats beschlossen sie zusammen mit der Art Directorin Nathalie Guihaumé, einen Online-Shop namens L'Oeil de KO (das KO-Auge) zu eröffnen, in dem sie diese Objekte sowie Kooperationen mit ihren Lieblingshandwerkern verkaufen konnten. Neben Objekten wie einem bärenförmigen Kerzenhalter der britischen Keramikerin Rosie McLachlan und Steinzeugkelchen der in Paris ansässigen Marie Lautrou stellt L'Oeil de KO eine Keramikgeschirrkollektion vor, eine Zusammenarbeit mit dem in Belgien ansässigen Atelier Pierre Culot. Fournier entdeckte die Arbeit vonBase als er vor ein paar Jahren auf einer Auktion einige Teetassen ersteigerte. „Wir möchten die Arbeit der Kunsthandwerker, die wir lieben, unterstützen und teilen“, sagt Fournier. „Handarbeit, die der wachsenden Einheitlichkeit der Welt entgegentritt.“ oeildeko.com.

Bedenken Sie

Von Amy Fang

Mahjong-Nächte prägten meine frühe Kindheit, und meine Erinnerungen an das Spiel waren von seinen sensorischen Aspekten geprägt: die Kühle der Figuren unter meinen Fingern, das kaskadierende Geräusch, wenn Spieler die Spielsteine ​​mischen (die Chinesen nennen es das „Zwitschern der Spatzen“). Bei Mahjong geht es sowohl um die Atmosphäre als auch um das Gameplay, wie Ts jüngste Geschichte über den Mahjong-Club eines Architekturbüros betont. Alles beginnt mit dem Aussehen und der Haptik des Mahjong-Sets, und da ich vor kurzem wieder angefangen habe zu spielen, sehne ich mich nach bestimmten Exemplaren. Es macht viel Freude, Fliesen zu verwenden, die ein wenig Geschichte in sich tragen, egal, ob sie von der Familie weitergegeben oder online bezogen wurden. Chairish und Etsy bieten Vintage-Sets aus den 1970er Jahren an, die sich durch ihre alte Patina und traditionelle Illustrationen auszeichnen. Für diejenigen, die eine modernere Note wünschen, ist das „Double Happiness“-Set von Yellow Mountain Imports mit grünen Streifen versehen, einer kunstvollen Abweichung vom einfarbigen Smaragd, der normalerweise die Rückseiten der Fliesen färbt. Und für Spieler, die sich für minimalistische Eleganz interessieren, sind die Fliesen von Aerin aus weißem Melamin gefertigt und in einer Shagreen-Box enthalten. Das Mahjong-Spielen sowie das Set selbst können so luxuriös oder so schlicht sein, wie der Spieler es möchte.

Von T's Instagram

Werbung